Unas medias o calzas para recrear el 18th… y en colorines

Pues otra de las cosas que me lleva de cabeza siempre que me visto es el tema medias.

Y mira que soy de Valencia y aquí tenemos la suerte de que aun quedan artesanos que te las tejen, pero aun así, sigo teniendo dos problemas.

Uno que me visto muchísimo, y dos… que son caras.  Doy fe que un par de esas medias a mi me duran… ¿6 meses?¿1 año? después de ese año ya las tengo para tirar.

Así que en mi armario tengo dos tipos de calcetines, los chulos tejidos a mano que los uso en ocasiones especiales y los de batalla, que hasta ahora eran blancos de la marca Pocholo

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Estos calcetines, en tamaño mujer, te llegan hasta la rodilla, hay hasta la talla 45 (creo) y ademas tiene de bueno que los puedo encontrar en las paqueterias de toda la vida y no son caros. Rondan los 9€.

Pero claro… ¡Es que las calzas del 18th no eran así! Nada de caladitos, ni hasta la rodilla. Eran unos calcetines tupidos que te llegaban por encima de la rodilla.

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Recreaciones y reproducciones de este tipo de calzas las puedes encontrar en webs americanas e inglesas, pero aquí… no estaba la cosa tan fácil.

Ahora tenemos la posibilidad de comprar calcetines con esta inspiración en www.anacronicos.com

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Tienen varios colores y dos dibujos:

Calzas, Medias, Calcetines para Recreación o Indumentaria Historica Corona 18th Verde y Rosadetalle-azul-br

Tienda TodoRegalo.com ANACRONICOS

También los puedes encontrar en Facebook

Y en Instagram

¡Ojo! No tienen la estructura de los originales, entre otras cosas porque el patrón de los originales se basaba en algo similar a esto:

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Con lo que el tema de la «talla», al no ser elásticos, era bastante menos permisivo que los actuales calcetines tejidos a 2 o 4 agujas.

El que venden en Anacronicos.com es un calcetín tubular moderno, pero es barato, tiene un buen pasar y para darle tute es cómodo. ¡Perfect!

La Aguja Wing, el bordado Crivo y las incrustaciones de puntilla

Pues ando yo liada haciendo un traje de cristianar y he llegado a ese ¡terrible! punto en el que tienes que coser 4 metros de puntilla a una tela de batista fina.

Yo voluntad tengo, pero paciencia me falta y no os cuento tiempo con todo esto de ser Fallera Mayor, así que buscando en la colección de Costura Creativa de mi madre descubrí los múltiples usos de la aguja de Calados Wing.

Por el módico precio de unos 5€ en una casa SINGER compre un pack de dos agujas de Vainica (90)

 

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No solo es que incrustas los encajes de una forma sencilla y bonita con solo usar un zig-zag normal que tenemos en todas las maquinas, es que si ademas, tu maquina tiene puntadas automáticas de repente tienes miles de aplicaciones que no sospechabas.

Aquí os pongo un fantastico vídeo de como usar una aguja Wing para hacer dobladillos:

En serio que es igual de fácil que se ve en el vídeo. ¡Lo he probado!.

Otras aplicaciones de la aguja es hacer cosas como estas:

Y también bordado Crivo

 

En maquinas menos automatizadas este tipo de bordado se hace de forma manual con la puntada de bordado de incruste (en la imagen la 19):

 

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Si queréis ampliar información os recomiendo busquéis por «Tips Wing Needle». Encontrareis infinidad de enlaces muy utiles como este.

¡¡A mi me ha sido de infinita utilidad!! Y es que quien no sabe, es como quien no ve. ¿O no?

Un vestido del XIX… OMG! 1840´s fan front dress

Como hoy tengo un ratito quiero publicaros una entrada referente al siglo XIX. A partir de ahora espero cada vez publicar mas referente a este siglo, sobretodo porque mis próximos proyectos van enfocados a hacer prendas para recrearlo.

Una de las cosas que me gustaría aclarar es que «en general» tenemos un concepto de lo que es 18th y 19th un poco «simplificado». En nuestra cabeza la ropa del 18th es un uniforme, y el 19th otro… ¡¡Dos!!. ¿En serio creéis que durante 200 años la gente vistió solo de DOS formas?

En estos momentos soy de la opinión que, salvo excepciones, llamamos moda popular del 18th a lo que en su gran mayoría se fecharía en el primer tercio del 19th y ropa del 19th a lo que fecharíamos a finales del 19th principios del 20th.

Pero no solo eso… es que incluso cuando profundizamos en el 19th nos olvidamos de forma descarada de «décadas»  completas. Desechando aquellos tejidos, formas y usos que no nos acoplan por extremadamente incómodos, «poco» favorecedores, o simplemente «apartados» de nuestra tradición regional.

El 19th es un siglo vertiginoso, de repente los avances técnicos y cambios sociales lo hicieron todo mucho mucho mas rápido. La moda no fue menos… y debido al corto espacio de tiempo en el que se sufrieron estos cambios las diferentes modas coexistieron de forma generacional. Podemos encontrarnos a finales del 19th fotografías con tres generaciones, vestidas de tres formas distintas., cada una reflejo de las vivencias y perfil económico de cada generación.

Si generalizamos y ponemos las formas principales por década de auge la «linea de tiempo» de la moda seria algo así:

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Women’s Fashion Timeline (19th and early 20th centuries)
By Meg North

El termino «generalizar» esta ahí bien elegido, el separar la moda por décadas (o por siglos) es una forma de simplificar, no obstante un vestido carisimo de 1820, no se tiraba porque ya no estuviera de rabiosa actualidad en 1860..

Una mujer rica y joven vestiría a la ultima moda, una señora rica se quedaría a caballo entre lo que le seria mas cómodo por gusto personal y la ultima moda, y una anciana rica usaría lo que le diera la gana, que generalmente seria la ropa que le recordara sus mejores tiempos. Abuela, Madre y Nieta!.

En el caso de las mujeres trabajadoras seria algo similar, pero con las muchísimas limitaciones que supone el que «comprar» la tela ¡de algodón! necesaria para hacer un vestido «de diario» podría equivaler al sueldo completo de varias semanas. Siempre intentado ir a la ultima moda vemos como se reciclan telas, prendas y se suplen tejidos de compra por caseros… pero siempre buscando aproximarse a «formas» de moda.

Y con este preludio no me enrollo mas…

Un vestido del XIX… No me puedo creer que tenga un «1840´s Fan Front Dress»

De entre las muchas «modas» olvidadas del 19th tenemos una de mis favoritas en lo que a ropa respecta que es el periodo victoriano. Una de las causas por las que, hoy por hoy, pienso que hemos «olvidado» estas modas es que aproximadamente por esa época es cuando se empiezan a afianzar los trajes regionales de muchas zonas.

Para muestra un botón:

Fuente http://es.slideshare.net/claracan/palacio-de-los-condes-de-cervell

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Y claro, vemos esto y creemos que «todas» mujeres trabajadoras valencianas usaban este traje, y las ricas el de la reina… y ahí tenemos el lio montado.

En algunas zonas menos industrializadas si que se seguirían usando los complementos joyas, peinetas y formas que para estas épocas ya estaban en claro declive, junto con prendas y materias primas a caballo entre ambas modas a través de retoques, y aprovechamientos y transiciones. ¡Pero ni de lejos seria lo que vemos en estas imágenes!  Este tipo de «instantánea» saldría en ese punto del 19th de personas con posibles que sacaron del «arcón» lo que en ese momento se creyó mas conveniente  para reivindicar el carácter y el poderío «valenciano».

Digamos que en zonas rurales, o en zonas industriales para las personas con menos posibles la cosa iría por estos lares:

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Costumes de la province de Valence 1862

Y en la capi las personas con posibles se verían mas como esto:

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Luís Vermell y Busquets. Retrato de Teresa Vendrell 1861

Esta ilustración me encanta porque demuestra un poco lo que digo:

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l’orchateria de Valence 1869

Bueno, pues dicho esto, aun me voy a ir un poco mas para atras, porque de lo que quiero hablar es de un tipo de vestido que «rompía la pana» en la década 1840.

«El vestido de frente de abanico»

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Y es que aun no me puedo creer lo que me encontré en uno de estos paseos de rastro dominguero… ¡¡Mi propio Fan Front Dress (vestido de abanico frontal)!!

El patrón de este tipo de vestidos lo compre hace bastante con la sana intención de hacer uno ¡Y de usarlo!, me parecen preciosos. Jamas hubiera imaginado que tendría la oportunidad de comprar un original.

Este tipo de vestidos estuvieron muy de moda durante la década de 1840 y a poco que busquemos podemos encontrar multitud de variaciones.

Mientras me hago el animo de encontrar tiempo para hacer uno, os dejo el original por si alguien se anima antes que pueda ampliar un poco la información.

El vestido esta hecho de un brocado de seda finísimo… entretelado con lo que nosotros en Valencia llamamos «tarlatana». El cuerpo esta envarado con varas de lo que parece ser barba de ballena, lleva corchetes para el cierre y ¡¡Sobaqueras!!. La falda tiene una estructura de 8 caídas de 54cm, y tiene un bolsillo frontal. Las zonas que necesitan un soporte «extra», bolsillo, ruedo y cuerpo, están forradas con tela de algodón encerada.

 El Frente:

fan_front_dress_1La parte trasera:

fan_front_dress_2El frente en detalle:

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La parte trasera y la manga:

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Detalle de la construcción, refuerzos de tarlatana:

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Uno de los errores mas comunes cuando empiezas es usar MAL este tipo de refuerzo. Este tejido es muy ligero, pero aporta mucho cuerpo. Es extremadamente útil para aportar rigidez a la hora de forrar faldas que necesitan un soporte extra pero no se puede usar a la ligera, tienes que tener mucho cuidado porque va a mandar sobre la tela exterior. No la recomiendo para tejidos de baja calidad, o cuya fabricación los haga poco estables y fácilmente deformables.

Cuando refuerzas una tela con este tejido es recomendable trabajar ambas piezas hasta que se puedan considerar una sola. Por ello si forras una falda entera ¡La tarlatana llega hasta el extremo inferior de la falda!

Dejar la tarlatana al aire, a un palmo del bajo y coser el ruedo de ella no da buen resultado final. Y contra mas fina la tela exterior… peor resultado.

Este el el bajo de la falda del vestido y podéis comprobar como la tarlatana esta debajo de la tela que hace de ruedo:

tarlatanaAquí os amplio el detalle:

Bajo:

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Cintura:

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Y aquí os pongo el detalle de una de las cosas sobre las que había oído hablar, pero no había tenido el gusto de ver «personalmente», unas sobaqueras:

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He visto muchos vestidos de seda, y en la gran mayoría de casos muy usados. Pero la zona del sobaco no estaba tan desgastada como debería de estar, teniendo en cuenta el estado general de la prenda. Había leído que en muchos casos se cosía a la ropa una media luna rellena de tejido, lana, o material absorbente, y que esta «sobaquera» se quitaba para lavarla.

En esta prenda lo que hay es una especie de «bolsillo» relleno de un material que efectivamente se siente como si fuera lana… esta justo en la zona del sobaco y me queda la duda de si sera algo que aporta a la prenda un «relleno» adicional, o sera justo «esa sobaquera» sobre la que he leído… pero que no he tenido el placer de ver.

Un detalle practico es que puesto que este vestido se abrocha detrás, tiene un practico bolsillo justo donde caería la abertura de la faltriquera si montáramos la falda a modo «pañal»

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Y por ultimo… ¿quien usaría este tipo de prendas? Una dama joven, con posibles a la moda de 1840

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¿Este tipo de vestidos se uso en las clases populares? Pues si, pero fabricados en otros materiales mas «accesibles», y por ser una forma mucho mas practica para una persona que se tiene que arreglar sola, abrochados por delante.

¿Podría usar uno para vestirme popular? Pues si, puedes. Usando la tela y los complementos adecuados. Lo que no es lógico es que te pongas todas las joyas del planeta… un manton de seda de los de quitar el hipo y luego tu traje y calzado sea el que correspondería a un traje de diario.

Porque a mitad del 19th, si en una gran ocasión tenias el suficiente capital para lucir joyero y estrenar traje, la cosa iba por estos lares:

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1859 – Actriz Adelaida Fernandez de Zapatero

Y, salvo excepciones!… que también las hay. El que tu joyero sera de «marquesa» y tu ropa «de trabajadora» no era lo «normal».

(Pero oye… que no fuera lo normal no quiere decir que «no pudiera ser». Igual preferías pasar penas y apañarte a vender los pendientes de tu abuela…)

Y de momento aquí me quedo, con la sana intención de que esta entrada sea el punto de partida para desarrollar varios básicos que se puedan usar en ampliar horquillas de tiempo de forma mas o menos popular para esta época.

¡Espero que os sea útil!

Joyería con un buen pasar… ¡O como saber lo que estas comprando!

Últimamente estoy mas liada que la pata de un romano… ¡y os tengo abandonados!. Pero tengo pendientes varias entradas de moda del 19th que os van a encantar.

Mientras las monto voy a aprovechar para hablaros un poco de joyería. ¡No soy ninguna experta en este campo!. Solo espero acostumbraros un poco el ojo. Cuando vayáis a una tienda a comprar os sera mas fácil distinguir que es lo que te están vendiendo.

Septiembre esta próximo y al parecer nuestros artesanos aprovechan esta temporada de poca faena para anunciar sus novedades. Desde aquí ya os digo que ¡¡Si algo no me gusta no lo miro!! Vivo mucho mas feliz, pero a veces… es imposible evitar leer ciertos despropósitos.

Y volviendo al tema;

¿Como saber lo que estas comprando?

Una de las cosas que os recomendaría antes de salir al mundo a gastaros dinero es que tener claro que es lo que necesitas.

Siempre es bueno hacerse varias preguntas:

  • ¿Para que lo voy a usar?
  • ¿Cuando dinero me puedo gastar?

¿Para que lo voy a usar?

Parece una pregunta chorra… pero lo creáis o no es quizás la mas importante. La respuesta «para vestirme de fallera» significa que no sabes responder con exactitud a esta pregunta. ¡Te toca ir a lo seguro!.

Entre «lo seguro», joyas que por su trayectoria se llevaron a finales del 18th, a principios del 19th y luego pasaron a formar parte de la iconografía popular valenciana destacan unos cuantos modelos:

LOS BARQUILLOS

Una de las apuestas seguras. Su uso ha sido tan continuado que podemos incluso usarlo para hacer un estudio acerca de «vestirse de fallera».

Todas las piezas originales que os voy a mostrar eran símbolo de riqueza. Parte de la dote de la mujer, y un objeto para pasar de madres a hijas. Eran piezas bellas, y muy trabajadas. Piezas muy similares a estas:

http://www.lacomarcadepuertollano.com/diario/noticia/2013_12_09/28

Las piezas variaban ligeramente según de donde procedieran y el poder adquisitivo de a quien fueran destinadas. Pero aunque no fueran exactamente iguales, se parecían muchísimo entre ellas:

Barquillos

El Barquillo muestra la decoración habitual de la platería valenciana.  Y fue tan popular, y su uso se extendió tanto en el tiempo que se fue adaptando a las modas. Incluso tenemos modelos mas populares, dedicados a un publico con menos poder adquisitivo:

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No solo hubieron versiones contemporáneas mas «pobres» de este pendiente, una vez arraigada la fiesta y creado todo el comercio en torno a ella también se hicieron versiones «para vestirse de fallera» del mismo:

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Pero en algún momento de los años 70/80 decidimos que eso de los barquillos era muy viejo y la moda fallera los arrincono en el olvido a favor de otras moderneces.

Pero ¿Que es lo bueno de comprarte un pendiente de este tipo?

Pues que aunque no sepas con exactitud «para que lo vas a usar». Aunque no tengas muy claro si vas a vestirte antigua, moderna, o que quieres representar, este pendiente es un icono Valenciano. Es tradicional, es típico… se ha usado tanto y durante tanto tiempo que aciertas fijo.

Es tu «vestido negro» del fondo del armario.

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LOS PENDIENTES DE A TRES, Y DE LAZO

Si yo tuviera quedarme con solo un modelo de pendiente (¡A parte de llorar amargamente!), creo que me decidiría por los barquillos, pero hay mas opciones igualmente validas y también muy versátiles en cuanto a su rango temporal de uso.

Los pendientes de a tres tienen un recorrido similar a los barquillos, al igual que estos los mas antiguos eran piezas muy preciadas. Como plus fueron un tipo de pendiente muy popular en muchas otras regiones:

Aderezo Valenciano Museo SorollaY al igual que paso con los barquillos evolucionaron, podemos encontrar piezas populares menos trabajadas:

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Y también piezas que se fabricaron en una determinada época para vestirse para la fiesta y cuyo aspecto era, por decirlo finamente, mas rustico.

Los pendientes de lazo irían de la mano de los barquillos y los de «a tres» y aunque también tienen versiones mas o menos trabajadas, dependiendo del poderío de la propietaria, vienen a tener esta estructura:

Este seria un ejemplo:

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Y este otro un poco mas popular:

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Estas tres opciones son perfectas para tener un solo aderezo. ¡No son los únicos! Pero si los tres que por envergadura considero mas versátiles.  Pendientes de chorro y de «hoja» entrarían también en este grupo, y variaciones de estos modelos. Para no haceros mas largo el tema si tenéis interés en ampliar información os recomiendo que os leáis el apartado de joyería del libro Indumentaria Tradicional Valenciana Vol.II

Si la pregunta ¿Para que lo voy a usar? tiene una respuesta concreta… entonces ya podemos centrarnos en elegir una pieza «representativa» y acorde con el marco temporal elegido.

Si elegís vestiros dentro de lo que seria el marco del 19th, podéis decantaros por racimos, polcas, balcones, y muchas otras divinidades…  Va a depender si solo lo usareis para vestiros solo de «regional», o si ademas lo queréis para hacer algún tipo de recreación civil que sea mas versátil un modelo que otro.

Y como soy valenciana no me puedo resistir a ponerlos una muestra de el pendiente icono valenciano del 19th

Racimos:

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Hay piezas mas especiales, que estuvieron de moda durante un marco temporal concreto, o se usaron solo por gente de mucho poderío. Es posible que tengáis claro que eso es lo que queréis por lo que no hay problema en que os decidáis por unas Girandolas en sus múltiples versiones (strass, perlas, nacar…):

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Si os dais cuenta en ningún momento os estoy hablando de «Aderezo» como conjunto indivisible de piezas. Y es que eso… simplemente no se estilaba.

Ahora tratamos estas piezas como si fueran bisutería… algo que sacas de una caja y te pones cuando te quieres «disfrazar de»… pero en su origen eran joyas. A lo largo de la vida las heredabas, te las regalaban, te las comprabas… muchísimo dinero tenias que tener para ir a un joyero y decir… ¡¡De esto me llevo un pack!!.

Si hablamos de Valencia el conjunto de joyas que la mujer (con una buena, pero que muy, muy, muy buena dote) aportaba al matrimonio era similar a este:

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Y se componía por piezas heredadas, recibidas como regalo del novio, compradas… y no hacían mas juego que el que se obtiene por casualidad de tener un conjunto de piezas que tienen un marco temporal y económico similar.

Con el tema de pendientes resuelto ya nos queda la joya, las agujas y la peineta. Que también variaron con las modas, pero que, como os he comentado, no necesariamente tienen que hacer juego.

Para recrear la única regla de oro es evitar el anacronismo… ¡A todos los niveles!. Porque si vestida del 19th te pones unos pendientes e a tres (18th) no pasa nada, pero si vestida del 18th te pones un pendiente victoriano… ¡La cosa esta mas chunga de explicar!.

Bueno, ya tenemos mas o menos claro que tipo de joyerio vamos a comprar… ¿Cual era la otra pregunta?

¿Cuando dinero me puedo gastar?…  ¡El buen pasar!

¡¡Ah!! Ese es el kit de la cuestión. No se vosotros pero lo que es a mi me sube todo, menos el sueldo.

Lo malo de que te guste ¡mucho! todo este mundillo, es que con el tiempo, el hocico se te vuelve muy fino. Contra mas sabes, mas distingues, y contra mas distingues cosas que te parecían bien, te dejan de parecer tan bien.

Así que cuando me decido a comprar algo lo primero que hago es decidir si lo que quiero es tener un buen pasar, o lo quiero «igual». Y es una pregunta importante, porque lo que decida va a determinar el presupuesto que le tengo que dedicar al asunto.

Siento deciros que el buen pasar no es barato. Encontrareis piezas baratas y con buen pasar en formatos de pequeña envergadura, pero a medida que la pieza aumenta de tamaño, también aumenta la importancia que el trabajo, materiales y acabados de la pieza tienen.  Contra mas grande sea la pieza mas peligro tienes de que lo que compres barato sea bisutería pura y dura… y poco o nada tenga que ver con los originales. ¡Y desde luego no hace ningún favor al look de la usuaria!

Tener un buen pasar:

Encontrar bisutería con un buen pasar debería de ser fácil, ¡Pero no lo es!. Porque vendedores y fabricantes hay muchos… pero profesionales pocos. En otros puntos de España no se como estará el tema, pero aquí en Valencia las fallas y el gran volumen de negocio que generan, hacen que «todo valga». La magnitud de la oferta es inversamente proporcional al nivel de cualificación de los vendedores que te atienden en el 99.9% de puntos de venta. (Pero ¡ojo!, las fallas han mantenido vivas cosas que, sabiendo que buscas, encuentras. Una de cal, y otra de arena.)

Aderezos hippies, conjuntos de boda gitana y ¡Hasta pendientes mas apropiados para la bruja mala del cuento! se venden tranquilamente como aderezos regionales o para «bailar». ( ¡Y no os pienso poner foto porque me niego a dar publicidad a ese tipo de cosas!).

Lo peor de todo es que, la gran mayoría de las veces, no es que no tengan ni un remoto parecido con ningún tipo de joyería usado en algún marco temporal susceptible a ser recreado, es que ¡Ademas! no son baratos.

Cada uno debemos de elegir nuestro umbral del «buen pasar». Personalmente la joyería me gusta mucho, lo que me puedo llegar a gastar en un pendiente bonito lo puedo racanear en una pieza de tela. Quizás es porque pienso que siempre puedo darle vida a una tela «regular» con una buena costura, pero nada puedo hacer si los complementos no están a la altura.

A continuación os pongo ejemplos de lo que yo considero piezas que valen la pena:

Girándolas:

Esta pieza la compre en Orfebreria Montoya. Si sois lectores del blog ya sabréis que es uno de mis preferidos. Tiene varios modelos cuyo buen pasar es excelente y este es uno de ellos. No es una pieza muy popular que digamos…

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Princess Isabella of Parma

Pero aun así es una pieza que uso, y que me viene muy bien cuando hago recreación del 18th. ¡Es regia!

Para las veces que uso esta pieza, la precisión de la reproducción me gusta, el trabajo esta muy bien, y la relación calidad/precio es muy adecuada.

Otra pieza que me encanta de Montoya son unos pendientes de a tres del 18th. Tampoco es que sea una pieza exclusiva de valenciana. Es tipo de joyería que se uso por toda la península, y me gusta especialmente.

Esta es una pieza original de la época:

 

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18th Georgian Spanish Earrings

Y esta la pieza de Montoya:

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Entra en mi buen pasar… así que ¡Perfect!.

Y como resulta que este tipo de orfebrería me gusta mucho, no puedo dejar de poneros el modelo de lazo que tiene Peris-Roca:

Un ejemplo de original seria similar a este:

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Y esta es la pieza que comercializa Peris-Roca:

 

Lazo Peris Roca¡I love it!

Siguiendo con Peris-Roca… sus pardalets valen mucho la pena:

Un ejemplo de «Pardalets» originales:

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Y estos son los que comercializa de Peris-Roca:

Pardalets Peris Roca

Mantienen la estructura original en volumen, bien acabados, buena relación calidad/precio. ¡Buen pasar claro que sí!

A destacar también de este orfebre sus barquillos, sus polcas, y sus racimos. ¡Son bonitos! (Pero no tengo fotos)

L´Escarpidor es una tienda de indumentaria Valenciana que tiene todo un surtido de joyería con muy buen pasar. Especialmente me gustan estas dos piezas:

Un pendiente «de cruz»:

maceta escarpidorY otro «de a tres»:

 

de a tres escarpidorBuen precio, un acabado muy digno, y bastante fieles a las piezas originales.

Y así podría seguir hasta el infinito, Roses por ejemplo tiene unos lazos muy, muy, muy bonitos:

Lazo Roses

Daniel Bada, y Roda tienen en su catalogo piezas que me gustan mucho. ¡Y con excelente buen pasar!.

Ojo… ¡No me gusta todo de todos!. Hay cosas que me gustan mas, y cosas que me gustan menos (o nada). Y como os he indicado el buen pasar no suele ser barato… Lo que os puedo asegurar es que sabiendo lo que quieres, de cualquiera de ellos puedes salir apañad@. Encima lo que te lleves sera para siempre. ¡¡Ya lo has comprado demodé!!

Todos los profesionales que te he nombrado aquí arriba te van a permitir comprar las piezas de forma independiente. ¡Te podrás hacer tu propia dote!.  ¿Y quien dice que no puedes tener tres pares de pendientes y solo un juego de agujas?. Lo bueno de ser coherente históricamente es que, a la larga, ahorras dinero.

Pero… ¿Y que pasa si con un buen pasar no me basta?

Entonces os recomiendo pasaros por L´Alcorç. Es un artesano dedicado en exclusiva a la reproducción de piezas antiguas en plata, y la restauración.

Determinadas piezas me gusta tanto, pero tanto, tanto que con tener un buen pasar no me basta. Las quiero igual. Entonces ni me lo pienso ¡Ahorro!. (La alternativa a L´Alcorç es ir a un anticuario… lo que esta a años luz de mi poder adquisitivo.)

Es uno de mis recomendados, y quizás el único problema de este artesano es que tienes que ir con mentalidad «recreadora» a ver piezas de joyería. Si vas con mentalidad «fallera»… a «ver aderezos» la cosa no funciona.

En serio… ir a este orfebre es una experiencia muy parecida a ir a «IKEA»; Al principio no le pillas la gracia a eso de no ver todo el lote montado y terminado. No te haces a la idea de como puede quedar cogiendo cada pieza por separado para lucirlas juntas… Pero picas, compras, te lo pones, !lo combinas!. Y ahí la has liado…

Ahora, ¡Vale la pena!.

Tu vas, les dices mas o menos para que lo quieres usar y para que época. Te asesoran, te sacan piezas que te sirven para lo que quieres y coinciden en técnicas de fabricación y época de forma que pueden usarse juntas. Te muestran distintas posibilidades de combinarlas, y finalmente te dan precio de cada cosa y te dejan la libertad (dentro de la coherencia) de ensamblarlo a tu gusto.  Lo normal es que salgas de allí con un «básico». Como después le vas dando vueltas… acabas al tiempo pasándote para comprarte algo que puedes añadir a la combinación.

Y por eso si de repente me enamoro de este tipo de joyas:

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IMG-20160416-WA0002¡Directamente voy a L´Alcorç! Y el me hace estas preciosidades:

Barquillo L´Alcorç:

Barquillos Alcorc

De a tres L´Alcorç:

 

De a Tres AlcorcDe las que estoy profundamente enamorada y a las que no les puedo sacar pegas… (Bueno, si, el que no me toque la lotería y no me las pueda montar en oro y piedras preciosas)

Y con todo esto dicho, insisto en que es muy importante comprar con cabeza. ¡Informarse antes de gastar dinero!.

Porque piezas con buen pasar, si sabes donde ir y que buscar ¡Encuentras!. Si no tienes mucho presupuesto mas vale pequeño y bien trabajado que grande y basto.No me puedo creer que con todas las piezas antiguas bonitas que se pueden usar para recrear no haya algún modelo que os favorezca y os guste.

Comprar algo por que es muy barato, o porque ha salido en tal desfile, o porque lo lleva esta o aquella al final sale caro. Acabas gastando dinero en una pieza con nulo contenido histórico que dentro de 10 años sera algo pasado y de moda y que tocara arrinconar o malvender para comprar otra cosa.

Desde luego no ayuda que se vendan piezas con poco parecido a la realidad y las llamen reproducciones, o que este tipo de piezas «imaginativas» se usen para ilustrar textos en teoría «divulgativos».  Eso es publicidad engañosa… ¡Una información poco precisa hace bueno lo que no es!.

¡Es gracioso que aceptemos pulpo como animal acuático, y encima paguemos el scatergoris!

Y que conste que me parece estupendo, y muy normal que se hagan piezas al gusto de la moda para vestirse regional. Se ha hecho desde siempre. Esto es un negocio y quien paga manda. Sabiendo lo que compras, te gastas el dinero en lo que te da la real gana… ¡faltaría mas!.

Pero vamos, de momento me quedo con mi buen pasar. Como la moda es cíclica ya nos veremos cuando de la vuelta.

¡¡Espero que os sea de utilidad!!

P.D: Hay otros muchos orfebres, y tiendas. Y que no estén no significa que no haya nada que me guste en ellos, es solo que personalmente, y para joyería, los que os he puesto son los que me han venido a la mente haciendo esta entrada. ¡¡Informaros y vivir vuestra propia aventura!!.

P.D.1: Si un punto de venta no me da la opción de comprar cada pieza por separado, me doy la vuelta y no vuelvo. Acepto que me cobren mas caro si solo me llevo una pieza del conjunto ¡Es normal!. Pero si no me dan la opción de comprar por separado las piezas pierdo la fe en que puedan ofrecerme exactamente lo que busco. ¡Una pena!

El Largo de la Falda de «Fallera» y «la Moda»…

Hace unos días una seguidora del blog me escribió para hacerme una pregunta:

El largo del traje ha cambiado… ¿Cual es el correcto para que no me digan nada?

Aunque ya le conteste a través de correo, su pregunta me ha estado dando vueltas en la cabeza, hasta el punto que me apetece hacer sobre ella una reflexión.

Lo primero es deciros que nada… pero absolutamente nada de lo que hagáis va a evitar que, quien quiera hablar de ti… ¡hable!.

Esa faceta de la condición humana la resumió bastante bien Baltasar Gracián:

“Dicen que triste cosa es no tener amigos,
Pero más triste es no tener enemigos.

Porque quien enemigos no tenga,
Es señal de que no tiene,

Ni talento que haga sombra,
Ni bienes que se le codicien,
Ni carácter que impresione,
Ni valor temido,
Ni honra de la que se murmure,
Ni ninguna cosa buena que se le envidie”.

La unica forma que se me ocurre que en una falla no «hablen de ti» es coger a la/el mas holismer@ y metomentodo y pedirle consejo. Seguirlo a pies juntillas… y dejar que el/ella se encargue del tema de relaciones publicas. Oirás muchas cosas, ¡seguro!, pero las certezas que te llegaran es que «seras divina e iras perfecta».

Esa es una opción, y la otra es hacer lo que a ti mas te apetezca.

Respecto a largos en esto de «indumentaria para la fiesta de fallas», en Valencia, hay dos tendencias principales:

Seguir la moda «fallera», o Recrear la «moda histórica».

Ninguna de las dos opciones es «mejor, ni peor» (creo yo). Voy a intentar hablar de «largos» bajo estos conceptos:

Seguir la moda «fallera»

En lo que a mi respecta, las fallas (como fiesta), ¡desde siempre!, ha supuesto que la gente, para participar en los actos festivos se vista «como sus antepasados» de la forma que, en cada época, se ha entendido este concepto.

En un libro muy chulo editado por el Levante sobre la historia de las fallas, me encontré estos dos grabados:

DSC_1486

1860

DSC_1487

1870

La gente que esta viendo las fallas, es gente «de la calle». La moda «real» de cada década. Igual que como pasaría si sacásemos una foto de una falla actual:

Os pongo una imagen «similar» para que entendáis el concepto cogida del blog «pinturayartistas«:

falla-pilar-2014

Falla del Pilar, «Escándalo» 2014

Pues en ambos casos ya veis que la «moda de la calle» no se parecía mucho a lo que tenemos en la cabeza como «Traje de Fallera». Ni en ropa, ni en accesorios, ni en complementos.

Pues eso ha sido así siempre… en cada década, en cada año. Siempre que un/a valenciano/a se ha vestido para la fiesta ha elegido determinadas prendas para «representar» una determinada imagen.

En la gran mayoría de ocasiones esta imagen que se buscaba no era real. No era 100% fiel a la moda histórica. Se buscaba destacar una serie de «ideales», que por una cosa o por otra eran los que interesaban.

Si a esto añadimos que nadie quiere verse feo o raro, ¡por mucho que «te vistas de»!, pues la mayoría de veces, a la escasez de prendas originales, se unía el poco interés en su conservación. Estas prendas se combinaron, alteraron adaptaron, imitaron y reprodujeron adrede «para que quien las usara se viera guapa/o» al estilo de cada «moda».

Ya sabes… quito botón, quito de aquí, pongo de allá… añado, pongo… ¡¡Etnologia pura oiga!! Las prendas tienen vida y mucha información sociológica.

Puesto que cada vez estamos mucho más alejados, en nuestro día a día, de esa imagen «idealizada» de la «Huertana Valenciana Típica» (dieciochesca o decimononica), es normal que la imaginación vuele… y de aquellas lluvias, estos lodos.

¿Como va a entender una mujer con el pelo cortado a cepillo que una mujer del 19th no se cortara el pelo en su vida y gastara horas semanales en crear complicados peinados? ¿Una directora de departamento que hasta hace 150 años en España una mujer se tapara en publico? ¿O un adolescente que vestir con calzones brillantes de raso y con millones de botones era lo mas en masculinidad en el 18th?

Los conceptos históricos son algo tan alejado de nuestro día a día que, a menos que te lo expliquen, no tienes ni idea del porque de determinadas formas y usos, y como las fallas son fiesta, y la fiesta es para divertirse… pues ¡bueeeeeeenoooooooo!

Así que cada «década» ha traído consigo una «moda fallera». ¡¡Y si me apuras, últimamente cada «año» !!Cual temporada de «Zara».

Mas o menos vuelo, mas o menos largaría en la falda, mas color, menos color, oro rosa, plata mate, mas brillo, menos brillo… ¡Para todos los públicos y gustos!

El largo y vuelo de moda para la falda «Fallera» lo determina como vistan las Falleras Mayores de Valencia, puesto que esto depende de los proveedores e indumentaristas que les surtan ese año, y sus gustos personales en mayor o menor medida, no hay una «regla fija».

Si quieres ir a la moda tan solo tienes que hacer como harías en tu día a día… te compras el «Vogue» Fallero, y arreando que es gerundio. (Hay revistas dedicadas a las fallas y su sociedad, la moda «actual» se ve en ellas.)

Recrear la «moda histórica»

El segundo concepto, ¡Incluido en el Reglamento fallero! es «Vestir de forma Tradicional»

«Artículo 64.- Uso de indumentaria tradicional

1. Con el fin de dar el mayor realce y esplendor a los actos y desfiles falleros, las Comisiones velarán porque en la fiesta de las Fallas se utilice la indumentaria fallera y valenciana tradicional, diferenciando la utilizada por el hombre de la usada por la mujer valenciana y fallera:

a) El fallero utilizará el traje instituido en el IV Congreso General Fallero o cualquier traje tradicional valenciano.
b)La Fallera deberá lucir el tradicional traje de Valenciana

Y es en esta frase donde la gente a la que nos gusta «recrear» la ropa nos agarramos cual clavo ardiendo. Porque como veis, puedes «vestir indumentaria fallera» e «indumentaria valenciana tradicional». ¡¡Y eso esta de puta madre oiga!!

Porque como ademas, son tan majos que no «le ponen puertas al campo»… (¡¡Por favor… no pongáis puertas al campo!!*), dentro de un acto fallero PUEDO vestirme del 18th, y del 19th, siempre que sea indumentaria de clase «tradicional» (o clase media, o popular).

El largo y vuelo de moda para la falda «Tradicional» lo determina el largo y vuelo usado históricamente en la época que quieres recrear.

De forma que en vestidos de moda 18th el largo seria desde justo por el tobillo a casi un palmo por encima (según la década), y para vestidos basados en la moda del 19th estaríamos hablando de barrer el suelo a enseñar la punta del zapatito, a ser descocada (o muy curranta) y que se entreviera el tobillo.

Que yo prefiero esta segunda opción es EVIDENTE. ¡¡Tengo un blog!!.

Personalmente me gusta mucho mas como sienta la ropa coherente con la moda histórica, me apasiona hablar con la gente que expresa, vistiendo así, un interés por temas que a mi también me gustan.  Ademas muchos son folk, por lo que ya tenemos dos pasiones en común… Vaya, ¡¡Que a mi me funciona!!

Ahora, ¿Puedo afirmar que una opción es mejor que otra?; Pues en este punto de mi trayectoria, ¡no!. Quizás cambie de opinión en algún momento, pero bajo mi actual visión del asunto, vestir de «fallera» es algo que ha evolucionado junto con la fiesta y vestir tradicional es exactamente lo mismo… ha evolucionado junto con el interés de preservar, y conservar las prendas de ropa como parte de nuestro patrimonio cultural histórico. ¡¡Que ya era hora!!

No se si os sera de utilidad, pero si me preguntáis por el «vuelo y el largo adecuado» de la falda, y me pedís que lo razone no os puedo decir mucho mas, de momento, que lo aquí escrito.

 

*PD: ¡¡En serio!! Que aquí en Valencia Capital tenemos MUCHA, pero que MUCHA suerte en este tema. Hay poblaciones en las que esta determinado hasta la altura del tacón, y la cantidad, y color de las flores del pelo. ¡El día en que el reglamento cambie y me digan el color del que tengo que llevar la ropa interior, me declaro objetora de «vestirme»  falleramente hablando y me dedico a la recreación civil histórica. ¡Que obsesión por uniformarnos!.  

«Creating Historical Clothes» – Un libro recomendado

Hablando el otro día con una amiga me di cuenta que no había publicado aquí uno de los libros que considero muy útiles.

La autora, a través de un sistema de patrones básicos u estandarizados (en la linea de los patrones sistema Marti), indica las transformaciones que hay que hacer para adecuar las formas a las distintas épocas.

No es «el manual definitivo» ni es un libro que de todas las soluciones. Es mas, la información que contiene simplificada, pero si que es una muy buena manera de ver fácilmente las diferencias mas importantes entre las formas modernas, y las utilizadas desde el 16th al 19th.

Cuando digo que esta «simplificada» es que hablar de la moda desde el 16th al 19th es «abarcar mucho», y «quien mucho abarca, poco aprieta» y al fin y al cabo es un libro de unas 200 paginas.  Habla de forma genéricas, y lineas genéricas, por lo que es ideal como libro «base» y para aclarar las ideas en cuanto a que «formas» fueron las predominantes en cada época.

Podéis encontrar una revisión del libro aquí.

En mi caso lo compre en Amazon:

creating-historical-clothes-cover

No se deciros si hay algún sitio mejor donde adquirirlo. ¡¡Y esta en Ingles!!

PD. Que los recreadores Ingleses y Americanos nos llevan mucha ventaja es evidente. No solo es que tengan blogs, y webs online dedicadas a la venta de los artículos necesarios para recrear una determinada época con una calidad bastante elevada, es que ademas… tienen literatura «ex-proceso» dedicada a formas y patrones, cuidada y accesible desde distintos puntos de vista para que cualquiera pueda auto-formarse hasta el nivel que crea conveniente y le apetezca. ¡Un Ole por ellos!

Mis Zapatos del XVIII (18th)… ¡I love it!

¡Hay todo un mundo fuera del Folclore!,

Que me gusta la indumentaria no es ningún secreto a estas alturas… ¡¡Tengo un blog!!, lo que quizás no sepáis es que ademas soy miembro de un Club de Recreación Histórica de Moda Civil.

Club Fin de Siglo

¡Me lo paso bomba! No solo es que las personas con las que te relacionas tienen un gran amor por la historia y una gran pasión por hacer las cosas lo mejor posible, es que ademas, puedo abordar mi afición desde un punto de vista distinto.

Y una vez dicho esto, ya le encontrareis explicación al tema de esta entrada… y es que llevaba un tiempo buscando unos zapatos para vestirme del 18th.  ¡Tenia mucha ilusión por tener unos zapatitos rojos!:

Shoes 1770, 18Th Century, High Heels, Women S Shoe

Y aunque puede parecer fácil, en el fondo no lo es. Porque los quería «de verdad», quería poder cerrarlos usando una hebilla funcional del 18th:

Glasgow_Buckles

Y para esto el zapato tiene que tener una determinada estructura. En el extranjero es relativamente fácil encontrar este zapato,  un ejemplo es la web AmericanDuchess que esta dedicada a la venta de zapatos histórico. En la web ademas se puede encontrar como «ajustar» las hebillas a los zapatos con esta imagen:

fit-18th-century-shoe-buckles-2

Estos zapatos son geniales, y tengo un par en negro, lo que no es tan genial son los gastos de envió y aranceles para traerlos a España.

Buscando una alternativa nacional pregunte a Joaquín,  quien me hizo las botas con botones, con las que estoy mucho mas que encantada.  ¡El resultado fue este!

zapatitos

Si queréis mas información podéis mandar un correo a quini27@hotmail.com

Las Hebillas me la trajo de Waterloo, como «recuerdo» una gran amiga (a unos les traen imanes, camisetas, botijos… a mi hebillas históricamente correctas), pero estos zapatos también pueden usarse con lazo, o comprar la hebilla a vendedores internacionales a través de ebay, o de las paginas webs correspondientes.

La joyería que veis en la foto, que por si sola puede levantar cualquier conjunto es L´Alcorç Artesans Orfebres

La tela de la casaca es de un fabricante americano, y la basquiña de L´Atelier de la Seda.

¡Y eso es todo!… me encantan mis nuevos zapatitos rojos. ¡Y creo que dan el pego!. 100% históricamente correctos no son, pero soy producto del XX y quiero tener horma derecha e izquierda, suela que me acolche de las calles empedradas y sitio en el zapato para no tener que cortarme ningún dedo.

PD:.

Soy Valenciana, y ademas Fallera. ¡Y miedo me dan las interpretaciones que hace la gente de este tipo de fotos!.  Por eso voy a haceros una pequeña ampliación de información.  ¿Exactamente donde y cuando se tomo esta foto?.  Esta foto esta tomada en un pase de ropa histórica en el museo Valenciano del L´Iber.

El objetivo era recrear la moda de paseo de finales del 18th (Falta la mantilla… licencia particular para el pase de modelos.):

'La naranjera', cuadro de Luis Paret y Alcázar de 1790.

¡Y espero haberme aproximado dignamente! No voy vestida de Fallera, no voy vestida de valenciana antigua, voy vestida de dama del 18th con pudientes, madrileña, valenciana, o de la rioja.

Las Mangas en el periodo del 18th y el Centre de Documentació i Museu Tèxtil

Las mangas a finales del 18th/principios del 19th.

Seria impensable comenzar esta entrada sin dar las gracias al personal del Centre de Documentació i Museu Tèxtil de Tarrasa. Muchísimas gracias por atenderme de forma excepcional. Me siento afortunada de haber podido contar con su paciencia y dedicación en todo momento.
Gracias de nuevo a todo el personal del Museo Valencià d´Etnologia, porque su labor me ha permitido dar comienzo a este trabajo.
Gracias mi marido, porque aunque no lo veáis, ha sido una parte muy importante en esta entrada. Por llevarme hasta el fin del mundo y mas allá… ¡Aunque no entienda del todo muy bien porque me gusta tanto!

Me faltarían líneas para describir lo orgullosa que me siento al conocer a gente que disfruta de su trabajo y encima, lo comparte conmigo. ¡Así que para todos ellos, muchas, muchas gracias!

Esta entrada es monográfica, una ampliación de las entradas anteriores referidas a Jubones y Justillos Populares en el periodo del 18th/19th. Esta dedicada íntegramente a las mangas, su forma y su colocación.

Aunque pueda parecer que este interés en las mangas es una obsesión, empíricamente os digo que encontrar quien te haga un cuerpo de finales del 18th, bien ajustado y con sus correspondientes mangas bien acopladas, es difícil. Que ADEMAS las mangas te permitan moverte libremente es comparable a encontrar el Santo Grial. (¡Ese momento en el que te pones el jubón, y compruebas que te puedes rascar la coronilla no tiene precio! … sí lo tiene, sí.)

El que una manga sea totalmente funcional dentro de la costura histórica de finales del 18th, principios del 19th requiere un poco de trabajo, pero sobretodo, hay que evitar los errores más comunes cuando se intenta recrear prendas:

  • No tener en la cabeza la forma BÁSICA de la época que quieres representar.
  • No tener clara la estructura de los patrones de la moda que quieres coser.
  • Obviar cosas como la ropa interior que se usaba en la época que quieres recrear.
  • Ignorar la función básica de las materias primas que componían la estructura de las prendas, sustituyéndolas por otros elementos que únicamente aportan valor estético.
  • No tener presente que estas cosiendo ropa… no disfraces. La ropa en cualquier época ha tenido un valor estético, y una función.

Y es que cualquiera de estos errores te va a llevar a hacer algo “similar” al original, pero ya no será “igual”.

Un ejemplo de esto que digo es la práctica común de trabajar modificando un sistema de patrones modernos. Si tomamos como base un patrón de una prenda del XX, y no tenemos muy claro a que queremos llegar… pues luego nos salen cosas como estas:

Y si verlo en una serie de televisión no es algo que me moleste mucho, en una tienda anunciado con términos como; “indumentaria tradicional”, “roba a l´antiga”, “reproducción”, etc. me da que pensar… ¿Dónde acaba la ignorancia y donde empieza el timo? A mi me disgustaría pagar por un móvil con “una manzana” y que me vendieran uno con un “kiwi”.

Y mejor dejo aquí el tema, y vamos a lo que realmente nos interesa:

Las mangas a finales del 18th/principios del 19th.

Para realizar esta entrada nos vamos a basar en dos prendas:

Procedente del Museo Valenciano de Etnología:

Jubón de manga larga., de 6 piezas.

Jubon Pala Rosa

Jubon pala rosa trasera

Detale jubon pala rosa
El cuerpo de la prenda es de Terciopelo de muestra, con pajaritos y florecitas, y la pala lienzo teñido de rosa. Es una prenda popular y no esta datada. Pero por materiales, técnicas de costura y patrón podría ser finales del 18th/principios del 19th.

En lo que seria el patrón de este cuerpo y su montaje no me voy a extender, ya que (añadidos aparte), es la misma base que desarrollamos en esta entrada:

Un justillo de 6 piezas en el Museo Valencià d´Etnologia

Como podéis comprobar el estado de conservación de este cuerpo es muy malo. Muchísimo. Tanto que me fue imposible estudiarlo. El realizar las mediciones y fotos que necesito requiere una manipulación que esta prenda, sin restaurar, no puede soportar.
Me iba a hacer falta otro jubón que, por sus características, pudiera complementar la información.

Esto lo conseguí en el Centre de Documentació i Museu Tèxtil de Tarrasa. Entre sus muchas y extraordinarias prendas tuve la oportunidad de consultar en detalle la siguiente:

Jubón de terciopelo Nº de Registro 20 643:

Este jubón esta datado en el tercer cuarto del siglo 18th. Aunque la cronología esta sin confirmar.

Jubon de terciopelo presentacion

Como podéis ver su morfología es muy similar a la del jubón que podemos encontrar en el Museu Valencià d’Etnologia. (Salvando diferencias climáticas, culturales, monetarias, etc., en una misma época la moda era, igual que es ahora, similar en todas las regiones.)

Vamos a ver la prenda en detalle:

Vista del frente:

jubon terciopelo frente

Vista trasera:

jubon_vista_trasera

Detalles de cierre:

detalle frontal

Detalle de encaje de manga:

Manga_parte_trasera

detalles_2

Manga, detalle exterior e interior:

 

manga_delante

manga_2

Detalle de costura exterior de manga:

cabeza_manga

Detalle de costura interior de manga:

costura_interior_manga

Esta prenda reúne todas las características principales de corte y confección propias de su época. Podéis ver las múltiples similitudes con el que trabajamos en esta entrada:

Un jubón con envarado interno en el museo del traje de Madrid

A destacar que este jubón no tiene, si os fijáis, ningún tipo de soporte interno, ni elementos integrados para abrocharlo. Este tipo de prendas era bastante habitual. Estaban concebidas para ir encima de justillos envarados y se cerraban con alfileres.
Pero lo que mas nos interesa en este punto, es que la manga es idéntica al jubón en mal estado de conservación.

Patrón de la pieza Nº de Registro 20 643:

De las mediciones realizadas a la prenda original he desarrollado el patrón que podéis ver a continuación:

patron_reducido

Tamaño REAL del fichero 93.13cm x 59.27cm

Este patrón no es exacto al 100%, la prenda original está hecha de forma manual, y la tela por el uso ha cedido en algunas partes. La prenda no es totalmente simétrica.

Esta pues “idealizado” para que se parezca, en la medida de lo posible, a un patrón moderno.
En este punto ya tenemos todo lo que necesitamos para poder realizar nuestra reproducción.

Los pasos de escalar el patrón, pasarlo a retorta, probarlo, etc. los considero obvios. Están ampliamente explicados en mis entradas anteriores de PRENDAS DE MUSEO. De forma que vamos a pasar al punto en el que construimos y montamos una manga funcional.

Ante todo lo primero es que si hemos hecho un cuerpo con un patrón cónico, y de una determinada época, deberemos construir la manga que corresponde a este tipo de patrones.

La frase puede parecer absurda, pero no lo es.

Si nos fijamos en el patrón que os he puesto, al que podemos considerar una “chaqueta” del 18th, y a continuación os pongo lo que sería una chaqueta del XX:

escalado_de_tallas_de_saco_femenino_512398_t0

Las diferencias mas notables se encuentran en el angulo del codo, construcción de la cabeza manga, y en la ubicación de la sisa. Si vas a usar un sistema de sastreria actual es MUY IMPORTANTE tener claro a que forma quieres llegar. Si no lo tenemos claro de forma sistemática cortamos la manga de forma que al ponerla nos quedamos cortos de tela. ¡¡Y la tela NO CRECE!!
Otros errores comunes son no desplazar la sisa a su ubicación en este tipo de patrones, dejar la manga excesivamente ancha en su parte superior, o estrangular el brazo al no dejar hueco para el codo al flexionarlo.

Tenéis más ejemplos de mangas en la siguiente entrada:

Las mangas en el 18th

Resumen de principales característica de la construcción de las mangas en estas prendas:

puntos de interes

  • No se aprecian diferencias importantes entre la anchura de la parte superior y la inferior de la manga.
  • La manga presenta una inclinación muy marcada, señalando el punto del codo.
  • El punto de flexión interior de la manga se encuentra ligeramente elevado, dejando hueco que ocupara el codo al flexionar la manga.
  • La sisa se encuentra desplazada hacia el musculo pectoral. La curva pronunciada NO ESTA UBICADA BAJO DEL SOBACO.
  • El ojo de la manga no tiene holguras. Esta completamente ajustado a la articulación.

A partir de este punto vais a ver el resultado que he obtenido al aplicar toda esta información. Voy a montar las mangas EXACTAMENTE IGUAL que la prenda original.
Pero como eso de “coser a mano” asusta, si no queréis hacerlo a mano, podéis hacerlo a maquina con la técnica que os explique en esta entrada:

18th ¡Y Montamos las mangas!

Me he decidido hacerlo a mano por varias razones, la primera porque es una técnica que a simple vista ya muestra varias ventajas importantes sobre la costura a maquina, y la segunda porque gracias a esta técnica los pasos previos se ven mucho mejor.

Tras un montón de horas ya hemos llegado a este punto:

Tenemos un cuerpo completamente funcional, forrado y con la sisa preparada para coser la manga:

sisa cuerpo

Y dos mangas ya terminadas a punto de ser cosidas al cuerpo:

 

Tanto el cuerpo como las mangas están patronadas siguiendo las premisas de la prenda original, pero escaladas y adaptadas para que se ajusten a nuestra morfología.

En mi caso tengo unos hombros muy anchos, y bastante musculatura. Podéis ver como mi manga queda muy chata, y el ojo de manga alargado. Esto no es siempre así, varia sensiblemente dependiendo de la articulación del hombro y bíceps.

Pero lo que no varía es la forma básica, y tampoco como tiene que ubicarse la manga en cada punto del cuerpo.

Coser a mano las mangas me ha permitido haceros estas fotos, son el cuerpo sin terminar, y la manga ANTES de coserlos juntos:

sisa_cuerpo_probado

Y espero que esto os muestre claramente que la sisa en estos patrones no tiene nada que ver con la que haríamos en una chaqueta a través de un sistema de sastrería actual.

¿Qué pasa con la manga?

prueba de manga

Pues que la manga, con el punto del codo en su lugar, tiene que “llegar” al cuerpo*. Es tan simple como eso. Si no tienes tela… estira. Y si estira te frena… porque la tela no es elástica, ni hay holguras… ni crece.

¡Vamos a coser!

La teoría de la técnica la tenéis aquí

Las costuras en el 18th

Consiste en ir cosiendo las cuatro capas de tela juntas, os recomiendo un hilo de torzal y mucha paciencia:

costura

Para que lo veáis un poco mas claro he hecho un vídeo, no es que sea un gran montaje, pero espero que entendáis un poco mejor como he cosido la manga al cuerpo.

Y una vez hecho esto… ¡Ya esta!. Ya tenéis ambas mangas cosidas a falta de terminar el cuerpo.

En el momento en que pueda hacer fotos con el cuerpo terminado puesto, os las adjuntare en este espacio.

¡¡Lo prometido es deuda!!:

mis mangas

Espero que la entrada os haya sido de utilidad, como siempre os digo, no soy profesional, y estaré agradecida de que me enviéis vuestros comentarios y rectificaciones. ¡Arriba tenéis el formulario de contacto!

Todas las técnicas que veis aquí son mi interpretación de las originales en base a lo que, hasta ahora tengo conocimiento. Puedo aseguraros que funcionan, pero no que sean “dogma de fe”, o “la única forma de hacerlo”.

Recordar que un buen resultado se obtiene siendo extremadamente respetuoso con la prenda que quieres reproducir.

Tienes que respetar su integridad, y esto significa que tienes que elegir correctamente las materias primas y aplicar métodos de patrón y costura que respeten su idiosincrasia.

Y siempre es bueno recordar que el termino REPRODUCCIÓN significa “IDÉNTICO”. Y que estamos cosiendo ROPA.
Si el resultado de nuestro montón de horas de trabajo es una prenda que no permite la movilidad, hemos cosido un disfraz. Algo para ser usado un rato, pero no lo vas a poder llamar reproducción.

 

*PD: Probar y ajustar una manga es cosa “de dos”. Hacerlo tu misma, con tu mismidad es posible, pero te complica mucho la vida. Que no veáis a Charo no significa que no este ahí.

Muchísimas gracias por enseñarme a hablar manguil, y por ser como eres. Porque sin tu ayuda, todo esto no seria posible.

Y para ti, lector del blog, quiero que sepas que estas leyendo esto gracias a su la paciencia infinita y ayuda totalmente desinteresada. De ella y de todos aquellos que han sido participes con su atención y generosidad de que cada día aprenda algo nuevo. ¡No rompas la cadena!

Vicent Pardo – El Pañuelo como prenda de modestia.

Hace ya unos cuantos meses publique una entrada a raíz de las muchas veces que me han preguntado:

-«¿Pero el pañuelo así puesto esta bien?»

Pues como prácticamente todo en la vida, la colocación de los pañuelos de cuello varia en función del tiempo, la necesidad y la coquetería de la mujer.  Ni hay una sola forma, ni una sola colocación, ni un solo uso… todo depende.

En esta entrada voy a recopilaros una serie de estupendos vídeos que ha realizado Vicent Pardo en los que se describen las diferentes maneras de ponerse un pañuelo.

Vicent es un enamorado del folclore,  y tiene un taller en donde confecciona reproducciones de indumentaria tradicional valenciana. ¡Os animo a que os deis una vuelta por su web!

 

Como groupies de la indumentaria compartimos la opinion de que cortar una obra de arte bordada para embutirla dentro de un jubón, reduciéndola a su mínima expresión es un absoluto desperdicio.*

A continuación os pongo los excelentes vídeos en donde Vicent comparte sus trucos para colocar un pañuelo de distintas formas, sin necesidad de hacerlo pedacitos:

Capitulo 1 – Plegado

Capitulo 2 – Colocación en la Espalda

Capitulo 3 – Colocación Cruzada

Capitulo 4 – Colocación en el Cordon

Capitulo 5 – Colocación Suelto

Capitulo 7 – Colocación con Lazo

Así que como podéis comprobar el pañuelo no es un adorno del jubón, es un elemento móvil que tenia un propósito, cubrir los generosos escotes de los patrones del 18th.

Aunque las clases mas pudientes se pudieran dar el lujo de enseñar mas carne, para las mujeres de a pie, enseñar el pecho no solo no estaba bien visto, las señalaba como parte de un colectivo de mujeres «publicas» que no tenían mas remedio que enseñar la mercancia que tenían a la venta.

Si queréis verlo desde otra perspectiva os propongo un simil. Una top-model puede darse el lujo de bajarse de un taxi sin ropa interior, en minifalda y escotazo. (¡enseñando el DNI vaya!). La sacan en portada y queda «glam».   Ahora haz tu lo mismo. Os aseguro que la cosa no queda igual de fashion. Pues antes… ¡Lo mismo!

Asi que esperando que publique muchos mas de estos didácticos y prácticos vídeos, desde aquí, muchas gracias a Vicent por darme su permiso para publicar y enlazar su trabajo, y al canal de YouTube de BlogDanses por publicarlos.

*Para los que no sois de Valencia, y no sepáis de que hablo cuando con eso de «cortar» los pañuelos:

Os avanzo que aquí en Valencia es practica común gastarte un riñón en un juego de pañuelo y delantal bordados, llevarlos a una modista/o (o tienda) y que esta corte el pañuelo, y lo reduzca a la mínima expresión. Después lo que queda del pobre «mocador» se embute entre la tela y el forro del escote del «cuerpo» hasta que el resultado es un bonito cuello de encaje.

Que luego no puedes usarlo en otro cuerpo a menos que tenga «exactamente» la misma forma, o que si quieres hacerte otro jubón te toque comprarte otro porque el primero esta ahí ¡inamovible!, enterrado entre capas de forro y puntillas… ¡¡¡Xeeee!!! Sera per diners.

¡Pues por dinero sera! 😉

PATRONES DECORATIVOS EN LOS TEJIDOS DE SEDA DE LA SEGUNDA MITAD DEL SIGLO XVIII EN VALENCIA

Autora: Ana Eugenia Arnal Bosch – Historiadora del Arte.

PATRONES DECORATIVOS EN LOS TEJIDOS DE SEDA DE LA SEGUNDA MITAD DEL SIGLO XVIII EN VALENCIA.

La importancia de Valencia como mayor centro sedero de España en el siglo XVIII radicaba en: el cultivo de la morera y la cría de gusanos de seda o bombyx mori; la gran actividad comercial (Puerto de Valencia, Lonja de la Seda, Ruta de la Seda…); la destreza de los tejedores, la mayoría afincados en Velluters; y por último, el descenso de la producción en otros núcleos sederos españoles, castellanos y andaluces, debido a medidas proteccionistas impuestas desde el estado.
Durante este siglo la producción de tejidos de seda fue muy abundante e innovadora respecto a los anteriores periodos. El principal motor de este cambio fue la entrada de nuevas formas y técnicas procedentes del exterior, sobre todo desde Francia. Este intercambio estuvo motivado por varios factores. Primero, la proximidad geográfica. Segundo, los franceses desde el siglo XVII recogieron la tradición italiana y consiguieron mejorar la maquinaria textil, por ello realizaron la mayoría de las innovaciones técnicas. Además, la importancia de la ciudad de Lyon como referente en materia textil invitaba a ser imitada. Tercero, después de la Guerra de Sucesión (1701-1713) Felipe V, nieto de Luís XIV, se convirtió en el rey de España e introdujo la moda francesa y las primeras ideas ilustradas.
Los modelos que fueron importados desde Francia no fueron reproducidos de manera exacta por los tejedores valencianos debido a que los telares no eran iguales. Asimismo, era muy complicado realizar una reproducción exacta de un tejido. Sobre todo porque en el siglo XVIII aún no existían los conocidos telares Jacquard. Los telares anteriores a este invento no tenían la máquina superior que contiene el cartonaje. Para suplir su función era necesario conocer que movimientos había que realizar y tres personas para manejarlo.

artículo indumentaria tradicional

Imagen 1. Telar para tejidos lisos. En: DIDEROT, Denis; D’ALEMBERT, Jean. L’encyclopédie. Recueil de Planches, sur les sciences, les art libéraux, et les arts méchaniques avec leur expkication. L’art de la soie. París, 1751-1780 (Ed. Facsímil, Barcelona, 1980).

 

artículo indumentaria tradicional2

Imagen 2. Maquinaria superior de un Telar Jacquard. En: Museu de la Seda de Moncada.

Los tejidos tenían una gran variedad de usos: indumentaria religiosa, indumentaria femenina y masculina, ropa de cama, tapicería, revestimiento de muros… Dependiendo de las dimensiones y el uso de la pieza podía variar el diseño y la técnica. Las técnicas más comunes eran: espolines, damascos, tafetanes, terciopelo y el muaré o moaré. Por ejemplo, para tapicería y revestimientos era muy habitual usar damascos y terciopelos porque no tenían elementos adicionales, como el oro y la plata, que pudieran entorpecer su uso. Asimismo, buscaban minimizar costes porque los tejidos eran substituidos dependiendo de la decoración y las comodidades de cada época del año. El precio del tejido podía variar dependiendo de las dimensiones, los materiales, la complejidad del dibujo y la técnica.
En general, los patrones decorativos eran de gusto barroco y estaban formados por diversos elementos que juntos le otorgan al tejido un aspecto muy “rico”. Los elementos más abundantes eran: flores, formas vegetales, ramos, lazos, cintas, cintas que imitan encaje, guirnaldas, líneas sinuosas, orlas… Los tejedores disponiendo estos elementos de distintas formas y combinando diferentes técnicas creaban una gran variedad de tejidos.

El diseño formado por un gran ramo central rodeado por una orla de cintas o formas vegetales era uno de los más comunes. Esta disposición fue reproducida durante el siglo XIX, pero con ramos simétricos y aspecto más estático. Actualmente, hay una gran variedad de tejidos que se acoplan a esta descripción.

Imagen 3. Espolín con grandes ramos rodeado por cintas. En: Centre de Documentació i Museu Tèxtil.

Imagen 3. Espolín con grandes ramos rodeado por cintas.
En: Centre de Documentació i Museu Tèxtil.

 

Imagen 4. Espolín del siglo XIX realizado por la fábrica Garín. Nombre “Rica”. En: Museu de la Seda de Moncada.

Imagen 4. Espolín del siglo XIX realizado por la fábrica Garín. Nombre “Rica”.
En: Museu de la Seda de Moncada.

 

También eran muy comunes aquellos que tenían cintas verticales y sinuosas de las cuales salen ramos de flores y hojas. Los ramos eran de colores muy vivos al contrario que el fondo que solía ser neutro. Las cintas podían ser de varias maneras: formadas por imitación de encaje o rellenas con formas vegetales. En este diseño los ramos siempre estaban dispuestos “al tresbolillo”. Es decir, distribuidos en filas paralelas de manera que la posición de los elementos de una fila corresponde al centro de los vacíos entre dos elementos de las filas inmediatas.

Imagen 5. Diseño con cintas y ramos distribuidos “al tresbolillo”. En: Centre de Documentació i Museu Tèxtil.

Imagen 5. Diseño con cintas y ramos distribuidos “al tresbolillo”. En: Centre de Documentació i Museu Tèxtil.

El siguiente diseño también presenta líneas sinuosas, pero añadiendo un fondo listado y un aspecto más geométrico, ya que la verticalidad de las listas contrasta con el movimiento de los demás elementos. En el siguiente ejemplo las líneas sinuosas están dispuestas a espejo, compuestas por ramos separados, que realizando zig-zag crean estas líneas ondulantes. Las listas están formadas por dos tipos de cintas, que imitan encaje. El fondo está realizado mediante la técnica del moaré con pequeñas flores rellenando los espacios que faltan, así pues, todos los espacios se encuentran ocupados.

Imagen 6. Tejido de seda espolinado con fondo muaré. En: Instituto Valenciano de Don Juan (Madrid).

Imagen 6. Tejido de seda espolinado con fondo muaré.
En: Instituto Valenciano de Don Juan (Madrid).

El estilo “Luis XV”, de origen francés, destacó porque sus elementos eran de dimensiones más pequeñas y estaban más próximos. La disposición era similar a los diseños compuestos por “líneas sinuosas formadas por elementos vegetales o encajes de las cuales salen ramos, jarrones o flores” porque sus elementos también estaban dispuestos “al tresbolillo”.

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Imagen 7. Tejido que fue expuesto en la “Exposición de tejidos españoles anteriores a la introducción del Jacquard” de 1917 (Número de inventario 356). Era propiedad de D. José Arnaldo Weissberger.

El estilo “Luis XVI”, de origen francés, estaba compuesto por guirnaldas vegetales, flores, cintas, lazos y en algunas ocasiones medallones ovalados o circulares. Las dimensiones de los elementos eran más modestas y se abandonan las grandes formas. Se apostó por una ordenación de carácter más geométrico, con más espacios vacíos, y renunciando a las formas sinuosas que se entremezclan. El fondo era listado y estaba compuesto por franjas de distintos tamaños. Además, solían alternar unas franjas con decoración y otras sin ella. En algunos tejidos insertaban pequeños ramos de flores formando zig-zag.

Imagen 8. Espolín “estilo Luís XVI”. En: Centre de Documentació i Museu Tèxtil.

Imagen 8. Espolín “estilo Luís XVI”.
En: Centre de Documentació i Museu Tèxtil.

Los tejidos llamados chinoiserie, estilo creado por Madame de Pompadour (accionista de la Compañía de las Indias), estaban formados por miniaturas de carácter oriental. Solían estar formados por pequeñas casas, motivos florales, figuras humanas, y en algunos casos animales.

Imagen 8. Tejido con decoraciones tipo chinoiserie. Técnica: Brocatel. En: Instituto de Valencia de Don Juan (Madrid).

Imagen 8. Tejido con decoraciones tipo chinoiserie. Técnica: Brocatel.
En: Instituto de Valencia de Don Juan (Madrid).

Estos serían los patrones decorativos más comunes de la sedería valenciana en la segunda mitad de siglo XVIII. Posiblemente hubo otros pero, debido a los pocos ejemplares que se han conservado, por el momento no es posible conocerlos. Muchos de los tejidos no están datados, ni localizados con exactitud, debido a la amplia red de comercio que existía para la seda y las similitudes entre las piezas de diferentes nacionalidades. Por ejemplo, a finales del siglo XVIII y principios del XIX, se realizaron tejidos compuestos por formas clásicas y geométricas de corte neoclásico, debido al descubrimiento de Pompeya (1748).

 

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